På Met Breuer, Thinking Inside the Box

The Mets nye utpost for samtidskunst åpner for publikum 18. mars. Våre ledende kunstkritikere, Roberta Smith og Holland Cotter, fikk et tidlig blikk.

Fra venstre Jacopo da Pontes The Baptism of Christ og to Titian-verk, The Flaying of Marsyas og The Agony in the Garden.Kreditt...Philip Greenberg for The New York Times

Støttet av



Fortsett å lese hovedhistorien

Denne anmeldelsen er av Roberta Smith. Lese Holland Cotters oppfatning her .

Etter halvannet år med forventning har det ærede Metropolitan Museum of Art endelig overtatt Marcel Breuer-bygningen til Whitney Museum of American Art på Madison Avenue, og lover å utvide og utdype sitt engasjement med moderne og samtidskunst. Rebranded som Met Breuer – med den mest subtile oppussingen av arkitektene Beyer Blinder Belle – er dette trekket det første trinnet i en plan som også vil inkludere en ny fløy på 600 millioner dollar i Mets Fifth Avenue-bygning.

For de som lurte på om Met ville utfordre Museum of Modern Art eller Whitney sentrum, føles de to åpningsshowene på Met Breuer mer som en tå i vannet av samtidskunst enn det forventede stupet.

Den minste av de to er en vakker oversikt over de nært beslektede tegningene og fotografiene av Nasreen Mohamedi (1937-1990) i India, og ble endelig kjent for sin visjonære, kulturelt bøyde visjon om minimalisme. I bygningens andre etasje gjenspeiler det Mets forpliktelse til ikke-vestlig kunst.

'Uferdig' og 'Nasreen Mohamedi' på Met Breuer

18 bilder

Vis lysbildefremvisning

Jake Naughton for The New York Times

Det er noe overveldet av det større, mer støyende, til tider usammenhengende overflødighetshornet av vestlig kunst som er Uferdig: Tanker igjen synlige . Denne omfattende innsatsen fyller tredje og fjerde etasje og er mest spennende i de tidlige delene, før 1820, hvor den kombinerer mange verk fra Mets samling (omtrent en tredjedel av showet) med spektakulære lån som sjelden er sett i USA. Disse lånte verkene av Titian, Leonardo, Rembrandt og Rubens gjør det til en fengslende storfilm. Ting er mye tammere oppe, der showet avtar mot nåtiden.

Ideen om å undersøke uferdige verk fra 1400-tallet til i dag er aktuelt, opplysende og tiltalende. Det største poenget er at Met, som et av verdens største encyklopediske museer, har et unikt potensial til å kontekstualisere moderne og samtidskunst. Men Unfinished lar dette potensialet stort sett være uutnyttet og Met veldig mye i sin komfortsone, med eldre kunst i en hermetisk forseglet eurosentrisk boble.

The Met er bare ett av mange museer med et virulent tilfelle av FOMO, eller frykten for å gå glipp av noe. Uansett størrelse eller historisk fokus ønsker ingen museum å stå tilbake når det kommer til det siste. Hvem kan klandre dem?

Samtidskunstens verden er blant de lyseste kulene i den ekspanderende kulturen som nå blander høyt og lavt; analog og digital; underholdning og mote. Denne verdenen er viden kjent for sine høye priser, sosiale one-upping, drop-in kjendiser og giftige nivåer av ego. Mer enn halvparten av alle samlere antas å kjøpe samtidskunst, noe som gjør involvering i det stadig viktigere for å tiltrekke seg tillitsmenn og givere så vel som besøkende. Som et resultat er samtidskunsten mer synlig enn den har vært på noe annet tidspunkt i kunsthistorien, selv om det som får mest oppmerksomhet bare er en liten brøkdel av den faktiske kunstverdenen.

Selv museer som er solid forankret i fortiden, spoler fremover. Du kan se show av levende malere på National Gallery i London, hvor samlingen pleide å stoppe med fransk impresjonisme, og ved Louvre. Morgan Library & Museum, lenge redutten til elskere av sjeldne bøker og tegnekjennere, har begynt å montere installasjoner i det overdimensjonerte Renzo Piano-atriumet, som nesten har skjøvet institusjonens tradisjonelle gallerier til kantene. Siden de flyttet til utvidede kvartaler i Philadelphia i 2012, har Barnes Foundation montert viser av arbeid av Yinka Shonibare, Ellen Harvey og Ellsworth Kelly.

Bilde Utstillingen undersøker uferdige verk fra 1400-tallet til i dag, og utvider ideen om ufullstendighet ytterligere.

Kreditt...Philip Greenberg for The New York Times

Mens encyklopediske museer som Met i stor grad ble etablert som varehus for tidligere kulturer, er det å samle og vise samtidskunst en logisk forlengelse av deres mandat. Og det passer lett på mindre, yngre encyklopediske institusjoner som Los Angeles County Museum of Art, hvor samtidskunst alltid har hatt en fremtredende profil. Men Met er enorm og gammel, med en historie med å behandle samtidskunst som en ettertanke. Å få det til å endre seg er som å snu en havforing; Kaptein og mannskap går kanskje forståelig nok forsiktig frem.

Unfinished er i seg selv litt uferdig, med en andre halvdel så forskjellig fra den første at den utgjør et nytt show. Helt i begynnelsen er det imidlertid levende med rare ender som skremmer øyet, avslører tekniske hemmeligheter og lar oss se den kreative prosessen utfolde seg.

Bilde

Kreditt...Jake Naughton for The New York Times

Like ved heisen er det Titians blodige, nydelige The Flaying of Marsyas, helt fra Tsjekkia, som kan involvere arbeid fra senere hender, og hans fascinerende episodiske The Agony in the Garden fra Prado, der en grov skråstrek av gul for en romersk soldats lykt og hans nesten fotografisk presise ringbrynje glimter om natten. I det neste galleriet sitter Jan van Eycks overveldende lille juvel St. Barbara, fra Antwerpen, laget i 1437 og utstillingens tidligste verk. En utsøkt kombinasjon av metallspiss og penseltegning på panelet viser helgenen sittende på bakken midt i et landskap av kappene hennes, mens en katedral i bakgrunnen antyder himmelens porter.

I silhuettene av figurene i Perino del Vagas hellige familie med døperen Johannes avslører edderkoppblekk små figurer, tegn på en helt annen scene som kunstneren forlot. Leonardos hode og skuldre av en kvinne (La Scapigliata), fra rundt 1500-05, har et ansikt så polert at det kan være skåret i elfenben, men knapt underforstått lokker. Den er flankert av en av kunstnerens tegninger og en annen av Michelangelo. Og utover disse henger Peter Paul Rubens storslåtte start på Henri IV i slaget ved Ivry, dens menn og hester så levende med fluktuerende linjer og revisjoner at de kan være animerte.

Bilde

Kreditt...Jake Naughton for The New York Times

Bilde

Kreditt...Jake Naughton for The New York Times

Hvorfor et gitt verk anses som uferdig er omtalt i nesten alle veggetiketter, har blitt argumentert i generasjoner av lærde og kjennere, og noen ganger er det fortsatt. Michelangelo og Leonardo var legendariske for å starte mer enn de fullførte, tiltrukket av andre prosjekter av sitt eget søkende talent, lånetakernes krav eller uforutsette forsinkelser. Rubens fikk feil mål for kampscenen sin, la verket til side og kom aldri tilbake til det. Rembrandts St. Bartholomew, der et praktfullt hode og en hånd dukker opp fra en ru, brun overflate, antas å tilhøre en serie helgenportretter som indikerer begynnelsen på hans overjordiske sene stil. På veggtekster kunngjør forskjellige store navn - den romerske forfatteren Plinius, Delacroix, Picasso og også Rembrandt - at å fullføre et verk er å drepe det.

Et uformelt skille dukker tidlig opp. Non finito - et begrep som kom i aktiv bruk i renessansen - refererer først og fremst til et verk som en kunstner anså som ferdig, selv om det kan se ufullstendig ut. Et uferdig verk er vanligvis et som er ufullstendig utilsiktet, ofte ved en kunstners død (en tilstand signalisert her på etiketten).

Bilde

Kreditt...Jake Naughton for The New York Times

Bilde

Kreditt...Jake Naughton for The New York Times

I tillegg til disse to brede kategoriene er det visuelle, nærmest stilistiske, distinksjoner. Noen ganger inkluderer svært detaljerte, nesten ferdige malerier figurer som kun er tegnet inn; silhuettene deres kan ligne spøkelser eller marmorskulpturer. I motsetning til dette, kombinerer portrettene av kunstnere fra Rosso Fiorentino på 1500-tallet til Alice Neel fra det 20. – sett i en av showets få, men effektive blandinger av tidsperioder – ofte nøyaktig malte ansikter og løst skisserte kropper. Dette ble noen ganger gjort for å fokusere oppmerksomhet og skape intimitet og vitalitet. I andre tilfeller indikerte kombinasjonen tap av interesse, som med Lucian Freuds store Self-Portrait Reflection, Fragment, der floker av tegnede linjer danner et stillas rundt kunstnerens tilsynelatende ferdige ansikt.

Det er ellers ferdige malerier med udefinerte deler – som de uskarpe ermene og hendene i Titians Portrait of a Lady and Her Daughter – eller uferdige anstrengelser som er relativt uklare over alt, som Rubens’ kampscene. Og så er det ytterste anomalier, som Anton Raphael Mengs sitt portrett fra 1775 av en spansk adelskvinne med et lapphundformet blankt i armene og et utslitt ansikt som forutsier Magritte.

Bilde

Kreditt...Jake Naughton for The New York Times

Bilde

Kreditt...Jake Naughton for The New York Times

Spørsmål om finish blir ofte tilfeldige for opplevelsen av selve verkene. Gustav Klimts oppklarende maleri, Posthumt portrett av Ria Munk III, kombinerer løst penselarbeid og løsere tegning, og unngår klaustrofobi-traveligheten til noen av hans ferdige anstrengelser. Et selvportrett av Edvard Munch som aldri kom utover tegnestadiet har en spektral kraft. Det beste av fem eksempler på J. M. W. Turners sene, muligens uferdige havlandskap kan forårsake en slags hjernefrysing når de svever mellom hardt og uendelig, realistisk og abstrakt.

Mot slutten av 1800-tallet begynner Unfinished å miste fart, og flater ut til en slags Where's Waldo-jakt etter de ufullstendige bitene.

Showet har blitt organisert av to Met-kuratorer, Andrea Bayer fra den europeiske maleriavdelingen og Kelly Baum fra avdelingen for moderne og samtidskunst, med innspill fra Sheena Wagstaff, styreleder for Mets avdeling for moderne og samtidskunst. I kataloginnledningen skriver de at showets omfang er relativt avgrenset og selektivt, og merk at Andre retninger kunne vært fulgt.

Bilde

Kreditt...Jake Naughton for The New York Times

Du begynner å vurdere hvordan showet kunne ha fortalt en skarpere, men likevel mer inkluderende, historie. Er tre malerier av Freud virkelig essensielle, selv om det største sto på staffeliet hans da han døde? To versjoner av Honoré Daumiers Man on a Rope har en flassete ruhet som åpner et nytt vindu på arbeidsprosessen hans. Men hans The Third-Class Carriage, som nesten alltid er å se på Met, virker unødvendig. Av samme grunn, det gjør også Manets The Funeral.

Katalogen gjør det tydeligere enn veggetikettene at historien til vestlig kunst, og spesielt maleri, på mange måter er en marsj bort fra høypolering mot ufullendthet, som er primært til modernismen. Likevel har det endelige galleriet i tredje etasje lite å vise av dette bortsett fra en spektakulær van Gogh, delvis rå og delvis tilberedt.

Og i starten av fjerde etasje smalner utstillingen plutselig inn til to teltnavn: en samtale om fragmentarisk penselarbeid mellom flere malerier av Cézanne og Picasso under blikket av Luc Tuymans' enorme, men vapne olje-på-lerret-riff på en av Cézannes akvareller. stilleben. Det er ingen betydelige innspill fra Matisse, en mester i non finito - ingenting som hans overfladiske, fortsatt sjokkerende utsikt av Notre Dame på Museum of Modern Art, med sin gjennomsiktige farge og sterke undertegning, eller til og med Mets egne syriner. Hele bevegelser som fauvisme eller tysk ekspresjonisme er fraværende. Sjanser for å avvike fra kanonen går glipp av. Hvorfor ikke noe av Paula Modersohn-Becker (1876-1907), hvis malerier i utgangspunktet ble ansett som uferdige?

Bilde

Kreditt...2016 Estate of Pablo Picasso/Artists Rights Society (ARS), New York; Jake Naughton for The New York Times

Etter hvert som showet begynner å hoppe over etterkrigstiden til i dag, blir det et navneopprop av blue-chip, auksjonsgodkjente kunstnere, de fleste av dem representert av en håndfull kommersielle gallerier.

Det er noen fantastiske verk og punkter der installasjonen klikker. Picassos urovekkende kvinne i en rød lenestol fra 1931 – utstilt offentlig for første gang – har den sløve kroppen til Marie-Thérèse Walter, men et ansikt som er nærmest vandalisert av en strøm av svarte og hvite penselstrøk og et konturert hjerte. Kerry James Marshalls Untitled er et idealisert portrett av en svart kvinnelig maler som kombinerer høy finish med tre tilfeller av ufullendthet; det ser vakkert ut ved siden av et av Warhols maling-for-nummer-lerreter.

Bilde

Kreditt...Philip Greenberg for The New York Times

Bilde

Kreditt...Philip Greenberg for The New York Times

Velkomstseverdigheter er levert av Jasper Johns’ Voice, fra 1964-67, et revidert maleri vist i ferd med å lage seg selv; Brice Marden's Untitled (Cold), en slående utvidelse av kubismen fra 1985-86; Robert Gobers muterende Slides of Changing Painting; og Cy Twomblys merkelige siste verk, en suite med seks gjennomgripende komposisjoner der dypgrønt og hvitt overgår rammene deres, som overgrodde vinstokker. Det endelige galleriet har nok en utmerket generasjonsblanding, denne gangen med figurativ skulptur av Rodin, Medardo Rosso, Bruce Nauman, Louise Bourgeois, Rebecca Warren og Alina Szapocznikow.

På nesten hvert punkt kunne kunsten i Unfinished vært mer rørt, både på små og store måter. I stedet for to Mondrianere, hvorfor ikke parre den største med noe som Fin, Stuart Davis sitt siste maleri, som er likt i størrelse, etos og bruken av tape? Og kanskje til og med sette Jackson Pollocks dryppmaleri ved siden av Rubens kamp? (De er innen tommer fra å være nøyaktig samme størrelse.) Det ville vært nervere og mindre forutsigbart. Pollocken kunne ikke se merkeligere ut enn den gjør nå, mellom malerier av Yayoi Kusama og Roman Opalka.

Bilde

Kreditt...2016 Cy Twombly Foundation; Jake Naughton for The New York Times

Spørsmålet om nøyaktig hva Met gjør i Breuer-bygningen er ennå ikke klart besvart. Museet er på solid grunn med sin Mohamedi-undersøkelse og også når det skal bringe eldre kunst til live, noen ganger med mindre gammel kunst, som i de tidlige delene av Unfinished. Men rundt samtidskunst virker læringskurven brattere enn forventet.

Den andre halvdelen av Unfinished kan til og med ha nådd utover Vesten, i det minste gjøre en finte av globalismen Met hevder. Det første trinnet kan ha vært å inkludere en av Ms. Mohamedis tegninger fra showet i underetasjen; deres idiosynkratiske rutenett innebærer ofte uendelig utvidelse utenfor kantene på en måte som lokal minimalisme sjelden gjør. Men du kan kanskje ikke klandre Met for å se på den samme listen over kunstnere som omkranser så mange museumskuratorer i dag. Ingen av dem vil være i stand til å tenke utenfor boksen før de i det minste kjenner igjen veggene.