Med sine 88 år får Agnes Denes endelig tilbakeblikket hun fortjener

Hun satte seg fore å forandre menneskeheten. Nå kartlegger en flott installert undersøkelse på Shed denne visjonære artistens 50-årige reise.

Et fotografi av Agnes Denes, stående midt i hennes offentlige arbeid fra 1982, Wheatfield — A Confrontation, på Lower Manhattan. Hennes karriereomspennende utstilling, Agnes Denes: Absolutes and Intermediates, er å se i skuret.

Vi vil være heldige denne kunstsesongen hvis vi får nok en utstilling så stramt vakker som Agnes Denes: Absolutter og mellomprodukter ved skuret. Og vi har rett til å tenke på hvorfor denne kunstneren, som ble født i Budapest for 88 år siden og har bodd i New York City i mer enn 60 år, først nå har et tilbakeblikk her.

Må neglisjering være prisen betalt av briljant kunst som ligger utenfor klare markedsføringskategorier, som forvirrer konvensjonell kritisk tenkning, som paradoksalt nok klarer å være dødelighetshemmet og håpefull? Altfor ofte er svaret ja, spesielt hvis kunsten er av en kvinne.



Jeg fikk vite om fru Denes sent, i 1982, da hun allerede hadde en betydelig karriere. Jeg bodde på Lower Manhattan, to kvartaler fra Hudson River og en tom urban prærie med gressstubber som var blitt dannet av fylling som ble gravd ut fra World Trade Center-byggeplassen. (Battery Park City sitter der nå.)

En vårdag la jeg merke til en lastebil som dumpet fersk jord på stedet, deretter gravde folk lange furer og så frø. På forsommeren kom grønne skudd opp, vokste seg høye, ble gulbrune. I midten av august var hvete med midjehøyde to dekar moden for kutting.

Kansas hadde landet på Manhattan! Hvis du sto midt i feltet - og hvem som helst kunne - hadde du utsikt over tvillingtårnene som reiser seg i nærheten og Frihetsgudinnen i sør. Duften der den varme sommeren var ren country (det samme var insektene). Så en dag dukket det opp en tresker og høstet avlingen. Jeg var ikke med for det, men da jeg falt innom søppelfyllingen senere husker jeg at jeg følte meg sjokkert og forferdet over å finne åkeren bar, hveten var borte.

Bilde

Kreditt...Agnes Denes og Leslie Tonkonow kunstverk + prosjekter

Bilde

Kreditt...Agnes Denes og Leslie Tonkonow kunstverk + prosjekter

Plantingen var et miljøkunstverk unnfanget og produsert av fru Denes, med hjelp av et lite mannskap, på oppdrag fra det offentlige kunstfondet. Tittelen hun ga prosjektet — Wheatfield - En konfrontasjon — nådde sin politiske hensikt, selv om du forsto det, uten å oppfordre, ved synet av to hektar med bris-feide naturlig rikdom, tilgjengelig for alle, som spiret under siloene av kapitalistisk grådighet som var tvillingtårnene. (Hveten endte opp med å reise til 28 byer over hele kloden i en utstilling kalt The International Art Show for the End of World Hunger.)

Du kan fortsatt fornemme kraften i det bildet fra dokumentarfotografier og en video fra 1982 av artisten som ble intervjuet av NBC-nyhetsoppleseren Jane Pauley, alt på visning i Sheds fjerde etasje, hvor den ypperlig installerte undersøkelsen av nesten 150 verk, som spenner over Ms. Denes karriere begynner.

Hennes fokus på økologi, på frykten for nåværende forfall og håpet om fremtidig overlevelse er tydelig fra starten av i sekvensielle bilder av en soloforestilling fra 1968, Rice/Tree/Burial, gjort i delstaten New York, der hun plantet riskorn. , bundet trær med lenker og begravde tidskapselkopier av hennes egne dikt. Likevel er det meste av hennes arbeid, tidlig og sent, i form av omhyggelig utførte diagrammatiske tegninger basert på vitenskapelige og filosofiske emner: hjernens virkemåte, språkets kompleksitet, mulighetene for post-antropocen beboelse - kort sagt det grunnleggende om det hun ikke er redd for å omtale som menneskelig eksistens.

Bilde

Kreditt...Agnes Denes og Leslie Tonkonow kunstverk + prosjekter

Bilde

Kreditt...Debbie og Glenn August; Stan Narten

Bilde

Kreditt...Art Institute of Chicago; Kunstressurs

I visse ordintensive stykker, som Manifesto (1969), som vises stort på en vegg utenfor forestillingen, dempes en tendens til abstrakt høyhet av et vanlig språk, med resultater som kan leses som konkret poesi. Andre, mer rent grafiske tegninger har den feilfrie skarpheten til digitale utskrifter. (Mrs. Denes var en pioner innen bruk av datateknologi på kunst og forutså allerede på 1970-tallet skjebnen til kunnskap-som-sannhet i en kommende tid med overbelastning av informasjon.)

Religion og etikk kommer inn i bildet i et verk i lavrelieff kalt Morse Code Message (1969-1975). Laget av biter av hvit plast festet til en mørk pleksiglassjord, oversetter den bibelske passasjer der Gud fastsetter loven for menneskeheten til et språk – visstnok universelt – med streker og prikker.

Og det er humor. En erklært feminist og en av de grunnleggerne, i 1972, av A.I.R. Galleri (den gang i SoHo, nå i Dumbo, Brooklyn), tar fru Denes satiriske stikk på hvordan kjønn fungerer i en forseggjort tegning fra 1970, Liberated Sex Machine, som reduserer den store operaen om seksuell kobling til et brukeruvennlig instruksjonskart.

Alt dette kvalifiserer sannsynligvis på en eller annen måte som konseptuell kunst, noe som vil gjøre Ms. Denes til en sjelden deltaker i en hovedsakelig mannlig kategori. Likevel har arbeidet hennes en spekulativ bredde og, viktigst av alt, en oppmerksomhet på visuell tilstedeværelse som mye klassisk konseptarbeid ikke har. Hun har i utgangspunktet skåret ut en uavhengig, merkefri nisje for seg selv og har okkupert og utvidet den i over 50 år.

Visjonær er en merkelapp som gjelder, selv om kunstverdenen aldri har vært sikker på hva den skal gjøre med den, om den skal stole på den. I løpet av årene, ettersom hun har tatt på seg stadig mer forseggjorte økologiske prosjekter, har tegningene hennes, som hun kaller en form for visuell filosofi - blitt mer ambisiøse. De inkluderer forvrengte verdenskart, der de geopolitiske relasjonene vi er kjent med er ufikserte. Det er design for byer som også er romstasjoner, kjøretøy for utforskning, men også for flukt.

Mange av designene er basert på den eldgamle, energikanaliserende formen til pyramiden, men pyramiden er nå avlastet for vekt og monumental funksjon. Vanligvis stiv og vertikalt rettet, pyramiden, i Ms. Denes tegninger, strekker seg og vrir seg, sveller som et egg, krøller seg som en snegl, flyr som en fugl. Alt i verden, slik denne kunstneren ser det, er i endring, gjenstand for vekst og forfall, en dynamikk som er dramatisk nedfelt i hennes offentlige prosjekter.

Bilde

Kreditt...Elizabeth Bick for The New York Times

Bilde

Kreditt...Honolulu Academy of Arts, American Academy og Institute of Arts and Letters

Bilde

Kreditt...Agnes Denes og Leslie Tonkonow kunstverk + prosjekter

Bilde

Kreditt...Elizabeth Bick for The New York Times

Bare noen få av de mange hun har foreslått i tegninger er blitt realisert. Wheatfield — A Confrontation er den desidert mest kjente, og var selvfølgelig ment å være flyktig. En annen, fortsatt intakt offentlig arbeid , Tree Mountain — A Living Time Capsule — 11 000 trær, 11 000 mennesker, 400 år, har et lengre anslått tidsrom, men fortsatt begrenset.

Bygget i Ylojarvi, Finland, fra 1992 til 1996, består den av en håndlaget ås dekket med trær arrangert i et matematisk bestemt spiralmønster. Hvert tre har blitt plantet av en frivillig som har blitt kontraktsmessig gitt eierskap til det, gyldig i fire århundrer, og kan overføres generasjonsvis. Den større tanken bak ordningen er enkel: Bevaring er både et individuelt og kollektivt ansvar, som strekker seg langt inn i fremtiden.

Fotografier av Tree Mountain er i showet, det samme er planer for andre prosjekter som fortsatt eksisterer bare på papir eller som modeller. Den ene er for et system med kunstige sanddyner for å beskytte de stormrammede Rockaways i Queens, N.Y. En annen er at en luftrensende urskog skal plantes på søppelfyllinger også i Queens. En tredje, og sannsynligvis den minste sannsynligheten for å få klarsignal snart, er for en fredspark i Washington, D.C.

Kvalitetene som skiller slikt arbeid fra 1960- og 70-tallets Land Art, som fru Denes noen ganger har blitt assosiert med, er de samme egenskapene som preger tegningene hennes: en kombinasjon av moralsk strenghet og en uinvasiv letthet i berøringen. Og det som skiller arbeidet hennes fra objektfiksert kunst med dollarverdi fra det 21. århundre er en insistering på forgjengelighet. (At retrospektivet skjer i den kontantstøttede festningen Hudson Yards er en ironi som absolutt ikke går tapt for henne.)

Plassert nesten i sentrum av galleriene i fjerde etasje er en installasjon fra 1969 kalt Human Dust. Den har to hovedkomponenter. Den ene er en veggtekst i plakatstørrelse som forteller historien om en ikke navngitt manns liv. Han var en kunstner, begynner det. Han ble født for femti år siden, noe som betyr at han levde ca. 2/3 av hans forventede levetid. Vi får statistikk: antall nære relasjoner, antall steder han bodde. Vi lærer detaljer om appetitten hans (i løpet av livet konsumerte han 4800 lbs. brød, 140 liter vin), og om karakteren hans (han var ofte ulykkelig og ensom). Beretningen, i utgangspunktet en nekrolog, konkluderer: 34 personer husket ham eller snakket om ham etter hans død, og levningene hans vist her representerer 1/85 av hele kroppen hans.

Restene er faktisk utstilt: en klar glassbolle fylt med fragmenterte bein.

Som et svar på dette noe nervepirrende minnesmerket har galleriene i andre etasje, der forestillingen avsluttes, en mørk kapellaktig atmosfære. Mange av de mest ekstravagant forestilte sene tegningene er her, det samme er en modell av Queens-skogen, finansiert av skuret, og to skulpturer, også bestilt av skuret for utstillingen.

Bilde

Kreditt...Elizabeth Bick for The New York Times

Bilde

Kreditt...Elizabeth Bick for The New York Times

Den ene, Probability Pyramid - Study for Crystal Pyramid, er en 17 fot høy pyramide med innover buede vegger. Laget av tusenvis av 3-D-trykte hvite blokker og opplyst innenfra, har den tilstedeværelsen av et tradisjonelt monument, men ser ut som en gigantisk lykt. Den ble unnfanget i 1976 for å være enda høyere: 30 fot, en høyde som, med tillegg av flere blokker, kunne nås i en fremtidig setting.

Den andre, et mindre stykke, Model for Teardrop — Monument to Being Earthbound, kommer med komplikasjoner. Fysisk består den av en mørk rund base med en glødende nylontåre - eller en flamme - som flyter over den, og den er virkelig flytende, holdt i luften av kraften fra elektromagneter innebygd i både basen og selve formen.

Også dette stykket, som sett i showet, er mindre enn kunstneren opprinnelig så for seg. Kan den også skaleres opp? Tilsynelatende er det ingen magneter som er sterke nok til å tillate det, noe som gjør dette stykket til et monument designet for å mislykkes. Men hva er det et monument for? Til den paradoksale dynamikken som driver denne kunstnerens fineste verk: stigende, og fallende, og stigende. Leve, og dø, og leve. Kan en tåre og en flamme eksistere side om side? Til og med være det samme? I fru Denes sin verden kan de.


Agnes Denes: Absolutter og mellomprodukter

Til og med 22. mars på Shed, 545 West 30th Street, Manhattan; 646-455-3494, theshed.org .